Revisión de la figura de Doctor Doom de la serie de Cuatro Fantásticos de Marvel Legends de Hasbro

Intro

Uno de los villanos más importantes y poderosos del Universo Marvel es sin duda Víctor Von Doom, mejor conocido como Doctor Doom. Este excéntrico personaje, además de ser un gran científico y ex amigo de Reed Richards, también es el líder supremo de Latveria, país ficticio ubicado en Europa del Este. Ahora que Marvel recuperó los derechos para los Cuatro Fantásticos y todos los personajes relacionados, hemos visto un resurgimiento tanto en los cómics como en las figuras. Es por eso que una de las primeras series de Marvel Legends de 2020 es justamente la de Fantastic Four.

A pesar de que en años pasados Víctor intentó redimirse, en esta versión lo vemos en su forma clásica de villano. Un buen detalle es que incluye dos cabezas, una más vintage y una más moderna. Además de los accesorios que mencionaré más adelante, esta figura incluye una de las piernas del BAF (Build a Figure) de esta serie, nada más y nada menos que el Super Skrull. (Próximamente también reseña de esta figura).

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Diseño

Probablemente lo mejor de esta figura de Doctor Doom es su diseño y todos los detalles incluidos. Desde la máscara y cómo deja ver los ojos y la boca de Víctor, hasta los remaches a lo largo de toda su armadura. Eso sí, incluso los pliegues en lo que sería la tela y la capa del disfraz le dan naturalidad de movimiento y realismo.

Pintura

Tal vez no era un reto tan grande pintar bien esta figura pues la cara prácticamente no se ve y no cuenta con muchos tonos, sin embargo, la elección de los colores para dar realismo tanto al metal como al textil es excelente. El verde olivo característico de este personaje está perfecto y si nos fijamos muy bien, la ejecución para iluminar los ojos también lo es.

Articulación

A simple vista podríamos pensar que por el diseño de esta figura no habría mucho rango de movimiento, pero es sorprendente la cantidad de posiciones que se pueden lograr. Además de la articulación de cajón entre el cuello y la cabeza, hay una en la base del cuello que le otorga movimiento extra y que con la capucha no podría suceder. Los brazos se mueven muy bien, nada que estorbe en los hombros y doble articulación en el codo para poder doblarlo bien. En el torso y cintura tenemos dos articulaciones que le dan muy buena posabilidad.

En la parte baja del cuerpo también me sorprendió que el traje no estorba prácticamente nada. Las piernas tienen libertad de movimiento y cuenta con las articulaciones clásicas: cadera, muslos, doble en la rodilla y tobillo.

Accesorios

El accesorio más notorio es la cabeza extra que trae un diseño clásico, eso complementa muy bien. En mi opinión las cabezas es de los mejores accesorios que se pueden incluir, más si es para convertir al personaje en otra versión. Además, incluye un par de manos extra con el puño cerrado. Por último, incluye una pistola que no viene separada en el empaque, sino que la trae en la funda de la cintura. Hubiera estado bien que también vinieran efectos de rayos pero en términos generales está bien.

Doctor Doom y las demás figuras de esta serie se empezaron a ver en las tiendas de Estados Unidos a finales de 2019, sin embargo, apenas están empezando a verse en México. Al momento de escribir esta reseña no había muchas opciones de compra pero seguramente en las siguientes semanas se podrán conseguir al precio sugerido entre $450 y $500 pesos. Mi recomendación siempre va a ser esperar a que haya más oferta porque cuando una figura escasea, algunos revendedores abusan y al poco tiempo que hay resurtido, las figuras se pueden conseguir a su precio real.

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Sacudió al mundo geek escuchar y leer las declaraciones del cineasta de culto Martin Scorsese con respecto al cine de Marvel, cuando afirmó que dichos filmes “son un parque temático”.

“No las veo. Lo intenté, ¿sabes? Pero eso no es cine. Honestamente, lo más cerca que puedo pensar de ellas, con todo lo bien hechas que están, con los actores haciendo lo mejor que pueden bajo esas circunstancias, son los parques temáticos. No es el cine de seres humanos tratando de transmitir experiencias emocionales y psicológicas a otro ser humano”.

“¿A dónde van los jóvenes para financiar sus películas ahora? No tengo idea. No van a ir a un estudio de Hollywood. Y luego, cuando la logran hacer, ¿dónde se exhibirá, cuando las salas de cine han sido tomadas por las películas-parques temáticos? Los cines se han convertido en parques de diversiones. Todo eso está bien, pero no invadas todo lo demás en ese sentido”, declaró el cineasta.

Estas palabras encendieron un fuego de ardor en los seguidores “villamelón” de Marvel, los geeks de hueso colorado y los mismos actores que participaron en ellas, que respondieron de inmediato:

 “Hay mucho que decir acerca de estas películas de género, y estoy feliz de ser parte del ‘problema’, si es que lo hay, denigraron la forma artística del cine. Cuando entras como una bestia pisando fuerte y eliminas la competencia de una manera tan demostrativa, es fenomenal”, dijo Robert Downey Jr.; mientras que Kevin Smith se aventó un argumento bastante fuera de sitio, que no ayudó en nada a la facción fan: “Martin Scorsese ha hecho películas tan maravillosas. Ha estado haciéndolo desde que yo era niño. No voy a decir ‘yo sé más que él’. Esos son sus sentimientos. Diría esto, y no estoy respondiendo al Sr. Scorsese: Martin Scorsese hizo quizás la película de superhéroes más grande que se haya hecho. La Última Tentación de Cristo es una película de superhéroes. Y no estoy menospreciando a Jesús de ninguna manera. ¿Pero quién es Jesús si no un superhéroe?”.

Esta declaración no es nueva. Ya en 2014, González Iñárritu había hablado al respecto, anticipando lo que llamó “genocidio cultural”, mismo que le ganó muchos detractores entre los lectores de cómic y el público joven. “Las películas de superhéroes a veces me divierten porque son básicas y simples y van bien con las palomitas […] El problema es que a veces pretenden ser profundas, basadas en algún tipo de mitología griega. Y para ser sinceros, son bastante de derecha […] Siempre veo a los superhéroes como gente que mata a otra gente porque no cree en lo que dice creer, o porque no son aquello que quieren que sean. Lo odio y no respondo a ese tipo de personajes. Este genocidio cultural es como veneno, porque los espectadores padecen una sobreexposición de este tipo de tramas y explosiones y mierda que no habla para nada de lo que significa ser humano […] Si de verdad analizas estas películas, en realidad tratan sobre gente rica que tiene poder y que hace el bien y que mata al malo. No me gustan filosóficamente”, declaró en su momento.

Sin embargo, cinco años después, el panorama del cine en pantalla grande no es precisamente alentador. Pareciera ser que este “genocidio cultural” fue desarrollándose, incubándose, cambiando y haciéndose cada vez más infantiloide.

Hay dos fuertes posturas a este respecto:

• Los que sostienen que Scorsese es un señor ardido porque no tiene público ante las producciones divertidas de Marvel
• Los que sostienen que están hartos de las infantiladas marca Marvel y quieren de vuelta el cine “serio de arte”.

Y pues ni tanto que queme al santo ni tanto que no lo alumbre.

Sí, el cine de Marvel se ha convertido en el equivalente fílmico de la comida chatarra: es malísimo para la salud, pero sabe bien sabroso; por ende, su consumo debe ser ocasional y moderado. Pero tampoco se trata de que todo sea “cine serio y de temas adultos”. Ergo: “no vives de ensalada-no vives de ensalada”. Finalmente lo que gusta es la variedad. Y es justo lo que está faltando y que esta década se ha ido intensificando a niveles insoportables. Prueba de ello es el desfile de Malas Películas 2019. Todos los mega estrenos anunciadísimos han sido decepcionantes, refritos, colecciones de chispitas, caramelo y efectos especiales, chistorín tras chistorín. Pero ¡ojo! ¡no son películas infantiles! Son películas pensadas, más que para los niños, para los “niñotes treintañeros peludotes, botarores y berrinchudotes” que se compran sus playeras de Marvel, sus condones y su espuma de afeitar de Iron Man o del Rey León. Los niños son un Target secundario en el que las empresas se escudan para que el adulto compre. El público se está infantilizando.

Está bien que te eches una película de superhéroes, y tampoco está mal que haya películas 100% para niños como “Parque Mágico”; sin embargo, no todas tienen por qué ser bobadas con chistorines y viajes en el tiempo disfrazadas de “la mayor creación fílmica”; prueba de ello es la trilogía de Batman de Christopher Nolan, cuyo enfoque es más serio, un Batman más humano y falible. Por otro lado, sí, es necesario que haya más tipos de historias. Las ganancias del cine Marvel han sido brutales. Son millones y millones de dólares. A grado tal que “Endgame” es considerada hasta el momento como la película más taquillera. Y es que el mismo cine de superhéroes ha mutado con los años. Si vemos la primera película de Iron Man, de 2008, notamos una historia redonda, fresca, que presenta a un cínico como protagonista, cuyo ego lo lleva a un problema del cual sale creando la legendaria armadura, pero llevando consigo la consecuencia de sus actos: la salud mermada y el peligro de morir sin el Arc.

La primera fase de este universo nos dio entregas en esta misma tónica. Trepidantes, llenas de aventuras, de sorpresas, de personajes carismáticos, de villanos y sí, de muchos efectos especiales. Pero a partir de “Iron Man 3” algo cambió en los guiones, que paulatinamente dejaron de pensar en villanos y se enfocaron más en meter chistes, comedia y lucecitas. Los héroes comenzaron a actuar cada vez menos maduros y más infantiles, llegando incluso a rayar en lo estúpido. Y el mejor ejemplo fue “Thor Ragnarok”, que más parecía “Viruta y Capulina en el espacio” que la caída del héroe de Asgard.

Sin embargo, esta nueva fórmula encantó al público, que brincaba emocionado esperando la siguiente fase. Gente común, que solía despreciar los cómics por considerarlos cosas “de inmaduros”, ahora idolatraban a los Avengers y se decían ultra fans de hueso colorado. Las ganancias fueron brutales. Eso dejó muy claro el panorama para las productoras, a grado tal, que actualmente, en aras de vender, el cine se ha cerrado únicamente a hacer los siguientes géneros.

Las salas de cine realmente son un Parque de Diversiones cuando sale Marvel y DC a escena:

– LA MONTAÑA RUSA: Películas chistositas de superhéroes con inclusiones millenials metidas a la fuerza.

– EL CARRUSEL: Películas animadas en 3D. Un gran porcentaje con animalitos parlantes. Todas con muchos chistecitos, chispitas e inclusiones millennials metidas a la fuerza.

– EL TÚNEL DE LOS ENAMORADOS: Comedias románticas bastante bobas o refrito de algún filme extranjero, esto sobre todo en las producciones nacionales.

– LA ATRACCIÓN FUERTE CON MUCHA ADRENALINA: Películas de acción con la misma trama una y otra vez, montones de chispitas y chistorines.

– LOS JUEGOS CLÁSICOS DE FERIA: Remakes o reboots de éxitos del siglo pasado… pero con… ¡Adivinaron!: chistes e inclusiones millennial metidas a la fuerza.

– LA CASA DE LOS SUSTOS: Películas de supuesto terror con historias simplonas y sustos premeditados.

Y ya. Cualquier otro tipo de historia pasa fugaz por cartelera, a veces, ni cuenta nos damos de su estreno. Le sucedió a “La Mula” de Clint Eastwood, que no tuvo ni dos semanas en cartelera. Mucho menos hablemos de producciones mexicanas que no sean comedias románticas. Incluso le sucede a “Joker”, que tuvo que meter un nexo con el mundo de Batman para poder ser tomada en cuenta. Imaginen que esta película hubiera tenido otro título y ninguna relación con el villano de DC. ¿Le hubieran dado tanto cartel? ¿La estarían alabando como un “filme de arte”? ¿Siquiera hubiera alcanzado dos semanas en cartelera u horarios decentes? Yo no lo creo.

Ante este panorama ¿Qué pasa entonces para el cineasta que desea contar historias propositivas y no quiere hacer películas tipo Marvel? Como bien dijo Scorsese: ¿a dónde se van, si Hollywood está maravillado con los millones que da el Sensorama Marvel?

La respuesta es: al streaming.

Scorsese estrena este año “The Irishman” en Netflix. Una historia de intrigas que trae en su reparto a pesos pesados de la actuación: Robert De Niro, Joe Pesci y Al Pacino. Se ha hablado de que, al igual que “Roma”, se exhibirá en algunas salas de cine, pero su objetivo principal es ser vista a través de la plataforma, donde sí podemos ver la variedad que el cine nos niega.

Y es que si bien no todo tiene por qué ser cine serio, negro, de drama o con profundas introspecciones, tampoco se vale que todo sea una embarrada de guión con muchos chistes y efectos especiales. Hace falta variedad. Y el streaming es quien está aprovechando esta carencia del cine para dar esa variedad desde la comodidad de tu casa, sin tener que pagar un boleto caro, unas botanas aún más caras y sin tener que aguantar gente con el teléfono prendido, hablando o pateándote el asiento.

Pero, como decía el viejo Nino Canún… ¿Y usted, qué opina?

¿Es realmente Scorsese un viejo amargado y envidioso que se ha dormido en sus laureles y le molesta que sus películas ya no son la moda?

¿O tiene razón y Disney-Marvel es la “Babosa come Cerebros” de Futurama que nos está volviendo más y más bobos, dándonos películas que son una atracción de feria?

Espero sus comentarios.

Como corolario: el Sensorama es el “cine” de la novela “Un Mundo Feliz”, de Aldous Huxley. Una enajenante sala de cine con pantalla a 180º de visión, cuyos asientos tienen sensores en respaldo, asiento y descansabrazos para que el público pueda sentir lo que sienten los personajes en la pantalla. En la novela, la película de moda es una de acción, donde el enorme protagonista -un negro musculoso- lleva a la chica de la película -una rubia buenísima- a una cabaña donde hacen el amor sobre una piel de oso. Y te narran que los sensores hagan que sientas el éxtasis del encuentro… y cada pelito de la piel del oso. ¿Les suena a 4DX?

Esta semana, una noticia conmovió al mundo de la animación, el anime, manga y sus fans: el edificio de Kyoto Animation se incendió. Dos de los tres pisos del edificio ardieron en llamas y se cobraron varias vidas, 33 hasta donde los últimos reportes señalaron, incluidas la del director de animación Takemoto Yasuhiro.

Esto representa un golpe muy fuerte para el medio. Se han perdido vidas valiosas, se ha perdido material valioso. Los fans están de luto. Yo misma, como acérrima fan de uno de sus productos (Free), encuentro terrible el hecho. Muchos de los proyectos tuvieron que suspenderse o cancelarse, como la proyección de Free-Road to the World, que se iba a llevar a cabo el día de hoy, 19 de julio. Y ante la incertidumbre, la gente está conmovida, indignada y llena de dudas.

Pero, ¿qué fue lo que sucedió?

La versión oficial dice que un hombre de 41 años, identificado como Shinji Aoba, comenzó a rociar con gasolina el edificio al grito de “¡Mueran!”. Este boletín comenzó a crear rumores, y posteriormente a sacar datos.

LOS RUMORES

En cuanto se hizo pública la versión, comenzaron los rumores. Algunos hablaban de que el hombre alegaba que le habían plagiado una idea, otros de despecho, muchos más, de un “otaku” resentido. De ahí se soltaron las ideas locas: un amor no correspondido, ataques a la comunidad “otaku”, burlas por el suceso… En fin, un caldo de desinformación, chismes y odio muy típico de las redes sociales. Pero en el fondo, se mantenía (y aún se mantiene) una duda:

¿Cómo fue que se llegó a un extremo tan terrible?

LAS SOSPECHAS

Quiero aclarar que hablamos de un tema muy delicado. Y que bajo ninguna circunstancia es mi intención faltar el respeto a nadie sobre este asunto. Lo que trato de comunicar es un pensamiento analítico. Hay muchas dudas en esta versión oficial que no cuadran.

Las notas que han dado diversos medios varían en calidad de detalles, pero a groso modo, la historia que se ha dado es la siguiente:

Las cámaras de seguridad muestran a un hombre llenando galones en una gasolinera cercana en horas anteriores al evento. No se ha comprobado que este hombre sea Aoba, pero se tiene la sospecha.

A las 10:30 horas, Aoba, en el segundo piso de las instalaciones, comienza el siniestro, gritando “mueran” a diestra y siniestra.

La mayoría de los testigos dijo “haber escuchado una explosión” y luego ver surgir las llamas desde el edificio.

Una vez que los bomberos llegaron, controlaron y atendieron a los heridos, hallaron cuchillos dentro de las instalaciones y a la mayoría de las víctimas en las escaleras que llevaban a la azotea, por donde intentaban escapar; sin embargo, la puerta del techo estaba cerrada, por lo cual habían quedado atrapadas. Muchas de las víctimas fueron halladas sin vida, las demás, fueron llevadas a los hospitales para ser atendidas.

Los testigos alrededor del incendio, narran haber oído los gritos de las víctimas; sin embargo, uno de los elementos de seguridad, informó a la agencia Reuters que el edificio no tenía rociadores ni hidrates en el interior, pero que no los necesitaba para cumplir con el código de incendios de Japón.

¿CÓMO SE LLEGÓ A ESTE EXTREMO?

Pensemos un poco en cualquier oficina a la que uno deba asistir. En toda entrada te piden identificación y sin ésta no pasas, ¿cierto? Ahora pensemos en estudios de animación. Deben tener protocolos de seguridad. Pongamos como ejemplo un estudio mexicano: Ánima Studios, donde tuve la oportunidad de colaborar.

El edificio de Ánima, al igual que el de Kyoto Animation, es de un tamaño mediano. No es una casa pequeña de dos pisos, pero tampoco es un mega corporativo en un edificio de 50 pisos con miles de elevadores y gente entrando y saliendo como hormiguero. El tamaño compacto de ambos edificios permite un mejor control de quién entra y quién sale de las instalaciones. Entonces, pongamos una lista de filtros a sortear para entrar a Ánima:

1. Una puerta de reja con interfon

    Si no te identificas en el interfon, no pasas.

2. La recepcionista

    Si logras pasar de la reja porque ya te identificaste, en recepción te van a pedir que te identifique una vez más, dejes una ID y llamarán a la persona que vas a ver para avisar que estás ahí. Te dan tu sticker de “visitante” y pasas.

3. Guardias de seguridad

    Que no te catean, pero sí revisan tus cosas por si llegases a llevar algo inusual… como galones de gasolina.

4. Llegas al área donde vas a entregar trabajo y ya. No tienes por qué subir, bajar o pasar a áreas a las que no tienes acceso.

Y todo terminó…

No creo que Kyoto Animation tenga un protocolo menos estricto que el mencionado o que se permita pasar a quien sea sin pedirle identificación y sin revisar lo que lleva consigo. ¿Cómo fue que Aoba pasó por la puerta del edificio sin identificarse? ¿Cómo fue que nadie notó los galones con gasolina?¿Por qué Seguridad no lo detuvo? ¿Acaso entró por alguna puerta trasera? De ser así, ¿cómo? Suponemos y asumimos que debería haber cámaras registrando los movimientos justamente para evitar que alguien ajeno se cuele a las instalaciones, por tanto, no podría entrar por backstage.

En redes, un amigo comentó: “¿y si se disfrazó de personal de limpieza? Un uniforme de intendencia y un carrito vuelve invisible a la gente”. Y aunque es improbable, supongamos que consiguió un uniforme de intendencia y entró con los galones de gasolina que -se asume- estaban recién comprados. Al momento de comenzar el incendio, gritar y rociar a la gente con gasolina, perdió la invisibilidad. ¿Por qué nadie actuó en ese momento? El bombero mencionó que no había rociadores ni hidrates… pero ¿acaso tampoco había extintores?

Las versiones que dieron a medios, hacen parecer como si este hombre hubiera entrado como Pedro por su casa con la gasolina, subido al área del segundo piso, entrado a las oficinas, rociado a la gente del mismo líquido sin que la gente se moviera o hiciera algo, y al grito, de “¡mueran!”, comenzara el incendio.

Por eso nos preguntamos…

¿QUÉ PASÓ REALMENTE EN KYOANI?

Y esta pregunta nos lleva a las inevitables hipótesis. Pero estas hipótesis, aparte de incómodas, no dejan de ser meras suposiciones sin fundamento, por ello, no las mencionaremos. Sin embargo, el estudio no produce material que pueda ofender susceptibilidades, como sucedió a South Park, cuya irreverencia sí les hizo acreedores a un par de ataques musulmanes en algún momento de la vida. Kyoto Animation hace cosas de slice of Life muy simples y entrañables. Como fan de Free puedo decírselos. (Los personajes de esa serie son un encanto).

Por otro lado, tampoco se ha reportado que tengan quejas de abuso al personal. KyoAni paga sueldos a sus trabajadores de modo regular. No se han dado casos de explotación o abuso sexual o laboral, así que tampoco podemos hablar de una venganza o de resentimiento.

Y por otro lado está la queja de Aoba: “Me han robado”. Alega plagio sobre una novela. Pero no se ha dicho por cuál obra. Si resulta que Aoba se queja porque tenía una serie sobre colegialas adolescentes… pues… vaya… que eso es el 80% del anime comercial.

Los testimonios del incendio son terribles. La página española “El Mundo” incluso recaba datos sobre Aoba bastante sospechosos, donde incluso mencionan que el tipo ya había sido internado en un centro de rehabilitación por su mala conducta, que tenía quejas de sus vecinos y que incluso parecía haber planeado el atentado con antelación.

Sea como haya sido, la tragedia es dolorosa y molesta, pues se perdieron vidas valiosas de gente con mucho talento. Y eso debería ser motivo para analizar a fondo lo que haya sucedido esa mañana tan trágica.

DE LAS CENIZAS

Por la misma tragedia, se han abierto campañas de crowdfunding para apoyar al estudio en su pronta recuperación. Cabe aclarar que estas campañas no son por parte del estudio, sino que los mismos fans son quienes están organizando la recabación de fondos para apoyo.

Lo que sí está haciendo KyoAni es vender arte en buena resolución a un precio realmente bajo. Se seleccionaron algunos frames bonitos de sus series, los cuales te venden en su página oficial por la friolera de ¥216 yenes ($38 MXN). ¡Una ganga, sobrinos! ¡Te salen más caras unas papitas familiares! Yo sigo en proceso de pedir un par de imágenes de Rin Matsuoka y Nagisa Hazuki, de Free. Nada más advierto que es una LATA llenar el formulario, sobre todo al poner tu nombre, porque te lo pide en Hiragana, pero hay páginas que están posteando el tutorial de cómo llenar el formulario sin morir en el intento (no puedo tomar sus imágenes y ponerlas aquí porque no sería justo para ellos, pero no es nada que una búsqueda de Google no solucione). Este arte se envía a tu correo a una resolución de 3840×2160 px. Es una buena manera de apoyar al estudio de modo 100% oficial y con cantidades que no te dejan pobre.

De todo corazón, y pese al escepticismo por los datos de la versión oficial de los hechos, esperamos que el estudio se recupere, se esclarezca qué sucedió y se castigue a los culpables de este lamentable suceso. Nos solidarizamos con el dolor de las familias y lamentamos las pérdidas humanas y materiales.

#FuerzaKyoAni. Y esperamos que la verdad lleve a la justicia.

SOBRE KYOTO ANIMATION

La empresa creadora de famosos anime fue fundada en 1981 por Yoko Hasta y su esposo, Hideaki. Sus trabajos son suaves, de gran calidad y encanto propio. Uno de sus más grandes hitos de la década pasada fue La Melancolía de Haruhi Suzumiya. Esta década, K-On! Se perfiló como una favorita del público otaku, mientras que Violet Evergarden se lanzó en el catálogo internacional de Anime de Netflix y Free cosechó enorme éxito en el mercado latinoamericano, llegando a ser proyectada en cines.

Hace unos días, en una de tantas conversaciones bizantinas de Internet salió el tema sobre los geek o geeky y todos los mitos, verdades y leyendas urbanas que los rodean: que si son gordos, que si son vírgenes, que si son “nerds”, que si son inmaduros, que si hay posers… y lo cierto es que hay una necesidad por definirlos y sobre todo, por saber quién puede considerarse uno y quién no.

 

En este mundo atascado de etiquetas de nuevo milenio, parece imperiosa la necesidad de pertenecer a un grupo que sea más original y diferente que los demás. De ser un plus por encima de los plus, el original entre los originales. De ahí que mucha gente corra hacia lo que ve de moda, intentando adoptarlo para formarse una personalidad que sea diferente, inusual, poco vista. Y esta gente notó cuenta que los fans del entretenimiento alternativo eran un caldo de rica opción para meterse, esto aunado al enorme éxito y proyección que han tenido los superhéroes en esta década y a la serie The Big Bang Theory, que mostró a los “nerds” y “geeks” como personajes muy “pop” con mordaces respuestas y alto intelecto. Obviamente, todo mundo quiso ser como ellos.

Pero ser geek es algo más que ser un wannabe de Sheldon Cooper con playeras de superhéroes, haber visto todas las películas de Marvel y tener cada Funko que salga. Es un modo de vida, por pretencioso que esto suene.

¿Cómo es un Geek? Significado, comportamiento y otros misterios

Desde los 70 se comenzó a oír que a ciertos individuos les llamaban “nerds”, en específico, a aquellos dotados de una inteligencia sobresaliente y obsesionados con las ciencias, la tecnología, las ciencias puras y aplicadas y el entretenimiento poco común. Estos individuos, varones en su mayoría, se dedicaban a estudiar y a probar y experimentar con tecnología de su época, sin embargo, debido a su escasa habilidad social, eran vistos como individuos poco capaces y se convirtieron en blanco de burlas y abusos, que los llevaron a un hermetismo todavía mayor. El tema llegó a ser tan popular que incluso se hicieron películas como La venganza de los nerds donde se daba un aliciente a la comunidad, cuando esta comunidad lograba desquitarse de sus abusadores.

Mientras que el “nerd” era un fanático de
la ciencia, el “geek” era un fanático más especializado. Alguien que decidía
clavarse únicamente en un tema para hacerse especialista en ello. El término
“otaku”, utilizado erróneamente para designar a los amantes del manga y el
anime, es la correspondencia japonesa a “geek”: alguien que se especializa en
un tema a niveles patológicos. Alguien que incluso pierde vida, trabajo y
contacto con la sociedad encerrándose en su casa con tal de ser el experto más
grande en dicho tema. (De ahí el término “otaku”=“su casa”; ergo=alguien que no
sale de su casa).

Europa invadida por una nueva “Cultura”

España, a su vez, comenzó a usar en los 90 la castellanización de “freak”, haciéndolo diminutivo: “freakie”. Pero como España es un país donde todo debe adaptarse al idioma nativo, el término se usó como “friki”. Y se llegó a ver en muchas de sus publicaciones impresas, como Dokan, Ultimate Reports o Minami. Algunas de estas revistas llegaron en su momento al continente americano, el público las leyó… y el término comenzó a esparcirse.

 

Por otro lado en el basto entorno geeky, tanto los nerds como los geeks son por estereotipo gente apocada, que no socializa, y que gracias a ello, se refugió durante años en entretenimiento que no requiriera de contacto físico o de apertura al mundo general. Es decir: los cómics, las series de ciencia ficción, el cine, el juego de rol, el anime, el manga, etc. De ahí que se relacionen los términos con este medio. Sin embargo, no todo fan del medio puede ser considerado “nerd” o “geek”, ya que la característica primordial de éstos es su alto conocimiento sobre ciencias y tecnología, que muchos de los que estamos en este medio de plano no poseemos. Sin embargo, somos parte del mismo, a veces, de modo profesional. ¿Entonces, qué somos?

La generación de “Nunca Jamás”

Hay aquí una curiosa generación. Los
nacidos entre 1970 y hasta 1990. La llamada “Generación X”. Esta generación
tuvo un factor que ninguna había tenido hasta el momento:

Una infancia regalada.

Así es. Nuestra generación tuvo una infancia llena de cosas para disfrutar, un paraíso para cualquier geek y que las anteriores no habían tenido o tuvieron de modo más limitado: juguetes fabulosos y coleccionables, cientos de dibujos animados para ver en TV, películas de fantasía con historias innovadoras y fabulosas, música pop, cómics de superhéroes, etc. Fuimos una generación que ya no careció ni por guerras ni por posguerras; y que había sido liberada por los movimientos sociales de los años 60 y el libertinaje de los 70. Los que fueron niños en los 50 quisieron dar a sus hijos una infancia mejor que la que habían tenido. Y vaya que nos la dieron.

Tan genial fue, que por eso, de un modo u otro, no quisimos abandonarla y nos aferramos a ella. Todo lo que vimos, leímos, escuchamos y digerimos nos formó de un modo. Nos hizo querer más. ¿Cuántos no quedamos deslumbrados con las peleas de naves de Star Wars? ¿Cuántos no nos deslumbramos al ver el legendario video Take on Me, de A-ha con su acabado de cómic?

 

Esas experiencias se nos quedaron
grabadas. Y nos hicieron decir a muchos “yo quiero dedicarme a ello algún día”
(al menos así fue en el caso de su servidora) e hicieron que muchos de mi
generación y las venideras quisieran dibujar, modelar 3D, crear videojuegos,
escribir, fantasear, etc.; y acabáramos trabajando en esto. Otros, aunque
hicieron sus vidas como adultos, siguieron coleccionando figuras o jugando rol,
siguieron perpetuando esta afición de un modo u otro dentro de sus vidas al
tiempo que llevan una vida funcional. Y otros más, menos afortunados, no tomaron
a bien el crecer y perpetuaron actitudes infantiles y de niño berrinchudo, a
pesar de haber crecido. Muchos no salieron de casa de sus papás, otros se
hicieron introvertidos y apocados, pero sin el talento para la tecnología de
los nerds originales, y sólo se quedaron como “clavados” de su amada afición,
sin llevarla a algo profesional, sin vivir y tomarla como parte de su vida y sí
en cambio, modificándola negativamente. Estos últimos son los tan deleznados
“ñoños gordos” que crean el estereotipo negativo del “geek”.

Los 90 y el boom de la diversidad

Sin embargo, pese a que vivimos una
infancia de rechupete, la entrada de los años 90 con el grunge y el industrial
no vio con buenos ojos que los ahora adolescentes siguieran con sus “cosas de
niños”, por lo cual muchos pasamos a un cierto grado de clandestinidad, leyendo
aún los cómics que lograban llegar, y volteando a ver “las caricaturas
japonesas”, que en México tuvieron un fuerte despegue.

La llegada de una nueva rama con el boom del anime.

Ahora las cosas habían cambiado. Ranma 1/2, Saint Seiya, Sailor Moon y varias más estaban entrando con una fuerza mayor que sus predecesoras de los 80 (que ya habían dejado una huella en el imaginario colectivo). Comenzaron a salir los fanzines del tema. Así nos enteramos que no eran “caricaturas japonesas”, sino “anime” (sin acento en la “e”, por favor) y que no eran “cuentitos”, sino “manga”. Se comenzó a gestar otro tipo de fan: el otaku. Y repuntó una nueva afición: el cosplay. Había llegado una nueva generación de fans. Y así el ecosistema geeky comenzó a tener mayor relevancia.

Comenzaron las facciones. Los fans del cómic americano no vieron con buenos ojos a estos chicos de cabellos de colores pastel y orejas de gato, los tacharon de “bobos” y “vírgenes”. Y los otaku a su vez contraatacaron. Mientras, en TV y puestos, los títulos brotaban junto con algo que era nuevo: la aparición de materiales eróticos en cómic. Algo que Europa tenía muy bien manejado desde los 60, pero que Japón supo darnos de mejor manera, con parodias de los personajes más populares. Fue cuando editoriales mexicanas como Editoposter decidieron hacer su propia versión “a la mexicana” de estos mangas y crearon una plataforma donde varios dibujantes con influencia manga hicieron su debut profesional (su servidora entre ellos).

Al par de las publicaciones pro anime/manga; las tiendas especializadas de cómics hacían lo suyo y vendían a público cómics de importación no sólo de superhéroes, sino europeos, latinoamericanos, orientales, juegos de rol, revistas especializadas, pósters, libros, etc. Esto hizo que el panorama se ampliara para los fans, ayudado por algunos programas de radio que comenzaron a brotar en la década, siendo Cómic Quest en el 98.5 el más completo en temáticas e información.

El surgimiento del “poser”, el geek en la actualidad

Sin embargo, pese a ya estar asentado como
un gremio dentro de la sociedad, este medio aún se mantenía en cierto nivel de
hermetismo y clandestinidad. No todos querían entrar en él y no era algo del
todo bien visto, ya que los padres lo consideraban una pérdida de tiempo y la
gente más social, algo que quitaba puntos de atractivo. Por ende, se seguía
viendo al “ñoño” como un ser inmaduro que perdía el tiempo en “sus tonterías”.

Hasta que salió The Big Bang Theory y las películas de Marvel.

La serie reportó altos índices de rating.
La gente quedó fascinada con el comportamiento déspota e irónico de Sheldon; a
eso aunamos que en 2008, Marvel comenzó su campaña más ambiciosa de la vida:
llevar a sus superhéroes a la pantalla grande del modo más fiel posible.

Ese año, Iron Man fue la primera película del MCU. Y fue un golpazo. La gente había quedado fascinada. Pero para entonces, Internet ya estaba establecido en la vida de la gente, con lo cual todos comenzaron a compartir y globalizar la información.

Pero el boom final estaba por venir.

La maquinaria geeky se puso en marcha

La década siguiente fue la que detonó todo como una moda. Las películas de Marvel sentaron un precedente y todo mundo quiso imitarlas. Comenzó la compra de Disney de cuanta empresa pudiera para acaparar mercados, las películas de Hollywood comenzaron a usar los cómics como combustible para guiones, a quemarlos, a sacar una tras otra sin dar tiempo a que la gente asimilara o se encariñara con los personajes. Todo se volvió una vorágine geeky con un gran poder para generar ganancias.

De la noche a la mañana, todos aquellos
que antes veían para abajo este mundo, se pusieron la camiseta y brotaron
diciéndose fans del tema y expertos de toda la vida, todos resultaron expertos
y “ultra geeks”. Y comenzó la desinformación, las noticias falsas o
tendenciosas, el clickbait, una película tras otra. Y a base de la exigencia de
tener 3 películas del tipo por año, la calidad comenzó a decaer. Eso, aunado al
surgimiento de grupos de Justicia Social, que comenzaron a hacer que los
guiones de estas películas sufrieran cambios drásticos e innecesarios en la
concepción de sus personajes y en sus guiones. Poco a poco, las historias
comenzaron a pasteurizarse, a ser “más para la familia”, “menos agresivas”;
“más inclusivas”, “más suaves”.

Y los que eran fans desde tiempo atrás
dejaron de emocionarse ante tanta saturación y falta de calidad.

 

El mundo cambió para felicidad de todos los Geeks

Así, llegamos a la época actual, casi al final de una década, donde ser un “geek” o tener gusto por las cosas geeky ya no es cosa fea ni mal vista. Ahora es un orgullo que no requiere esfuerzo alguno ni conocimientos en informática o ciencias. Ahora todos dicen ser “nerds”, “geeks” o “geeky”. Es algo nice, de moda, lo ultra de lo ultra, lo original, único y diferente. Pero no es lo mismo decirlo por moda que vivir en esto.

Y es que como dije al inicio, este es un modo de vida. Es algo que te gusta y te apasiona de un modo u otro. Lo comes y lo vives. No se hace por impresionar a nadie ni por ser popular en redes sociales. Simplemente es por gusto. Porque te agrada. Serlo, aunque tengas poco tiempo de haber entrado, te causa curiosidad por saber qué hay más allá de las películas, de hallar un mundo completo. No todo el entorno geeky es Marvel vs DC, no todo es Dragon Ball, Game of Thrones y Pokémon. Hay mucho más. Hay cómics de todo tipo, de todo el mundo: coreanos, argentinos, españoles, italianos, franceses, británicos, chinos, tailandeses, mexicanos… hay juegos de rol, hay películas poco vistas con grandes guiones, hay nuevas series y nuevos clásicos como Stranger Things o remakes bien hechos como Voltron, hay manga, hay anime, hay webcomic, webstrips, películas… ¡todo ha crecido y se ha expandido al mundo!

Lo Geeky es lo de hoy!

No todo es malo en esta globalización. Ahora todo lo geeky está al alcance. Como es una moda fuerte, las licencias de cómic se pueden comprar fácilmente, igual que el merchandising, que se halla en cantidades nunca vistas antes. Es una época dorada en cierto modo. Pasamos de lo clandestino a la cima. Y sí, con ello vino una horda de gente zombie que se cree experta y que son desinformadores y conflictivos a veces… pero cuando pase la moda se irán y se quedarán los que aman este mundo, sean nuevos o veteranos.

Por ello, no tengo qué decirles “qué es ser geek o geeky”. Ustedes saben si lo son o no. En su corazón, saben si aman este mundo o sólo están de paso. Sea como sea, disfrútenlo. No se claven en las etiquetas ni la popularidad. Como dijo un amigo del gym: “a darle, porque esto se disfruta”.

El héroe arácnido tuvo un gran año y quiere repetir en 2019

El pasado 6 de enero se llevó a cabo la entrega 61 de los Golden Globes, los premios cuya relevancia dura un mes hasta que llegan los Oscar. Y aunque obviamente todo el mundo habla de Roma y Bohemian Rhapsody, lo que me interesa mencionar es que Spider-Man into the Spider-Verse ganó mejor película animada, derrotando a otra gran película como lo fue Isle of Dogs. Ya estamos en 2019 pero ese Globo de Oro (y probable Oscar) para el primer largometraje animado del Hombre Araña, termina de poner la cereza en el pastel a un 2018 de fábula para nuestro arácnido amigo. Si no recuerdan todo lo que pasó con mi superhéroe favorito en al año que acaba de terminar, no importa, para eso estamos.

No me quiero ir señor Stark….

Infinity War fue todo un suceso, nos sorprendió, nos divirtió y nos hizo llorar, principalmente cuando vimos cómo la mitad de los héroes se desvanecían. Pero no hay duda de que la escena más desgarradora fue la de Tom Holland llorándole a Tony que no se quería ir. No sólo nos partió el corazón tan buena actuación (que además fue improvisada por el actor), también nos dejó uno de los mejores memes de 2018. Pero bueno antes de esa escena, todos los fans de Spider-Man nos quedamos con la boca abierta al ver el traje de Iron Spider en acción, un verdadero nerdgasmo que habíamos esperado durante siglos.

La buena noticia es que ese no será el final de Spider-Man en el MCU (ni cerca) pues Holland o compañía nos regalaron varias probadas desde el set de Spider-Man: Far From Home, además de que durante la Comic Con de Sao Paulo en Brasil, Tom y Jake Gyllenhaal presentaron un trailer que acaba de estrenarse mundialmente el 16 de enero y alocó a todos los fans (incluido yo, por su puesto).

Despedidas y nuevos comienzos

Toda la atención que ha recibido Spider-Man en el cine y televisión a veces hace que se nos olvide que las aventuras del amistoso vecino arácnido en los cómics siguen siendo espectaculares. En 2018 específicamente, dos grandes escritores que llevaban años encargándose de contar las historias de Peter Parker en Amazing Spider-Man (ASM) y Miles Morales en Spider-Man, dijeron adiós.

Después de una década a cargo la serie de ASM, Dan Slott se despidió con una conmovedora historia y una hermosa carta de agradecimiento en el número 801 de ASM. Pero antes de eso, nos emocionó en los últimos números con un explosivo encuentro entre Peter Parker y Norman Osborn en su versión del Red Goblin (mitad duende, mitad Carnage), que nos dejó con la lamentable muerte de Flash Thompson.

Por su parte, Brian Michael Bendis, co-creador de Miles Morales junto con Sara Pichelli, dejó Marvel para irse de manera exclusiva a trabajar con la competencia, no sin antes hacer la propio y despedirse con una historia muy personal que reflejó la desagradable situación que vivió al ser diagnosticado con una rara infección de estafilococo resistente a la penicilina.

Chip Zdarsky también dejó la serie de Spectacular Spider-Man y en su último número nos recordó por qué Spider-Man, a pesar de no ser el héroe más poderoso, es uno de los más importantes por lo que representa y significa para muchas personas.

Pero así como hubo despedidas, también hubo nuevos comienzos. Y es que ahora el aclamado escritor Nick Spencer (Secret Empire) y el dibujante Ryan Ottley, serán los encargados de dar rumbo al destino de Spidey en Amazing Spider-Man. Y vaya que el volumen 5 empezó con todo al volver a encender la llama del amor entre Peter y Mary Jane. Será interesante ver cómo Spencer implementará su sello característico de intriga y giros sorpresivos en el universo arácnido.

Y hablando de universos, en 2015 el crossover Spider-Verse nos emocionó porque reunió a una enorme cantidad de gente-araña que habíamos visto a lo largo de los años en distintas series y que provenían de universos alternos. Todos estos héroes y heroínas arácnidos unieron fuerzas para derrotar a los Inheritors que buscaban erradicar a todas las versiones de Spider-Man del multiverso. A finales de 2018, estos villanos lograron regresar del exilio para vengarse, así que una vez más los Spider-Warriors deberán enfrentarlos en la serie limitada, Spider-Geddon, escrita por Christos Gage e ilustrada por Jorge Molina.

¿La mejor película de Spider-Man de todos los tiempos?

Ya que mencionamos el cómic Spider-Verse, es hora de hablar de la película que se inspiró en dicha historieta y que para muchos ya es el mejor largometraje de este tan querido superhéroe. Into the Spider-Verse (Un Nuevo Universo, como se llamó en México) no sólo nos dejó tirando baba con la impresionante animación y atención a los detalles, también nos divirtió con el humor característico del personaje, nos emocionó con el cameo de Stan Lee y nos ilusionó e inspiró con el mensaje central de la historia de Miles Morales, que nos recuerda que no importa quién esté detrás de la máscara, todos podemos ser héroes. Sin duda una película completa que logró conectar con los fans más exigentes y fieles desde hace años, los jóvenes y hasta los más pequeños que apenas empiezan a conocer a Spider-Man.

En las siguientes semanas, seguramente continuará el éxito de Into The Spider-Verse en taquilla y la temporada de premios. Mientras que para Sony son excelentes noticias ($$$), para los fans también es motivo de alegrarse pues seguramente se confirmará la secuela que nos insinuaron con la escena post-créditos. Además, también hay rumores de que habrá series spin off de algunos personajes. No sé ustedes, pero por mi, mientras más Spider-Man (de calidad), mejor.

El juego que necesitábamos y merecíamos

Cine, animación, cómics, juguetes y no podía faltar un videojuego. Y es que por fin en 2018 tuvimos el juego de Spider-Man que tanto habíamos soñado. Con un gameplay amigable pero muy divertido, impresionantes gráficas, mapeo de Nueva York excepcional y una historia y actuaciones de primera, el juego de Spider-Man para PS4 no sólo rompió récords de ventas, también fue aclamado por la crítica y los fans. Sin duda, el mejor juego del Hombre-Araña y uno de los mejores videojuegos de superhéroes de todos los tiempos.

Al igual que con Into the Spider-Verse, sólo estamos esperando que Insomniac Games confirme la secuela que continúe contando la historia de Peter Parker y Miles Morales, además de agregar más amigos y enemigos de nuestro querido trepador para que se ponga mejor la cosa.

Lo que viene para 2019

Va a ser muy complicado que Spider-Man repita este año lo sucedido en 2018, pero creo que más que cantidad de éxitos, nuestro arácnido amigo mantendrá su relevancia y nos ofrecerá menos cantidad pero mucha calidad. De entrada no habrá otra película animada y otro videojuego, pero eso no quita que este año haya nuevos anuncios que nos emocionen como secuelas, spin offs o en una de esas hasta nuevo contenido descargable para el PS4.

Lo mismo sucederá en los cómics, donde esperemos que los nuevos encargados de contar las historias de Spidey nos sorprendan y atrapen con misterios, aventuras y humor, mucho humor. Spider-Geddon estará al rojo vivo hasta su desenlace, Amazing Spider-Man regresará con un arco fascinante donde Kraven será el villano principal y hasta el Hombre-Araña de PlayStation tendrá su propio cómic en 2019. Así que hay mucho que leer este año.

Obviamente donde Peter Parker brillará más será en el cine. En abril veremos Avengers: Edngame y por fin conoceremos el desenlace de la historia que durante más de 10 años, Marvel Studios cocinó de manera magistral. Aunque Spidey fue parte de las víctimas del tronido de dedos de Thanos, estoy seguro que los héroes más poderosos de la Tierra lo traerán de regreso. Vaya, después de todo tiene una película que estrenar en julio. Después del éxito de Homecoming, Sony y Marvel tendrán una gran prueba que superar con Far From Home. Ojalá el carisma de Tom Holland y el elenco de primera, esté acompañado de un buen guión y efectos especiales de primer nivel. A fin de cuentas, el mejor superhéroe de la historia se merece una secuela digna de él.

¿Tú qué opinas? ¿Crees que nunca vuelve a haber una año tan espectacular para Spider-Man o esto fue sólo el comienzo de una era arácnida como nunca hemos visto? Te invito a compartir tu opinión en los comentarios y que se arme la discusión.